1990 ist in Washington ein Gesetz verabschiedet worden, das das Rauchen auf Inlandsflügen verbietet. Langstreckenflüge folgten, die Lufthansa hat 1995 das Rauchen verboten. Und womit beginnt mein Flug nach Johannesburg in 2022? Ich setze mich auf meinen Platz und bewundere einmal mehr die NO SMOKING Symbole über mir und höre mir zum dreitausendsten Mal an, dass ich auf dem Flug nicht rauchen dürfe. Nein, auch nicht auf den Toiletten (Schade, weil’s da ja besonders Spaß macht). Soweit, so gut, seit 27 Jahren, Ende nicht in Sicht. Und warum? Warum, wenn ein Teil der Fluggäste von heute noch nicht mal geboren waren, als an Bord noch geraucht wurde (anders als ich, der ich immer einen Nichtrauchersitz reserviert habe, um dann im Raucherbereich eine zu piefen…)?  Weil das Kommunizieren von Neuigkeiten wohl offensichtlich so seine Zeit braucht.

Das bringt mich zu meinem Lieblingsshot aus noch nahezu jedem Elektroauto-Introducing-Film, nämlich das CloseUp, wo eine fein manikürte Hand, perfekt beleuchtet, einen dieser obszön klobigen Elektrostecker in das Auto reinsteckt, oder, imagine!, den Stecker wieder rauszieht? Oder beides? Damit auch ja jeder versteht: „DamendundHerren, schauen Sie bitte ganz genau hin: DIES IST EIN ELEKTROAUTO! Hamsedaskapiert? Und wenn nicht zeigen wir auch noch die Ladebox an der Wand, die auch scheiße aussieht.“ 

Ich sags Euch: dieser Shot wird uns noch lange, lange begleiten. Seeehr lange. Und wir werden Kreativdirektoren im Call sagen hören „I TOLD THE CLIENT: OVER MY DEAD BODY“; wir werden Handmodelle dafür casten, uns darüber unterhalten, ob des Handmodels Hand zum Darsteller passt oder nicht, manchmal ganz mutig mit der echten Hand des Darstellers drehen (Shocking!); uns mit Kunde und Agentur drüber streiten ob der shot UND der shot mit der wall socket in den edit müssen; wir werden im edit eine Version ohne den shot präsentieren und hören: „stimmt, viel schöner, aber leiderleider“; wir werden ihn für den Director’s Cut rausschneiden, etc pp.. 

Und all das für die nächsten, sagenwirmal, 25 Jahre. Read my lips!

Das ganze Leben ist ein Pitch, und der geht üblicherweise so los: Die Agentur schickt dir ein Script, idealerweise mit einem soliden Briefing, den PBS („Production Brief Specifications“). Und jetzt bist du dran.

Was willst du eigentlich wissen von so einem Script – ob es gut ist? Nein. Ob du die „Emotional Journey“ der Heldin glaubhaft findest? Auch nicht. Ob es einen guten Film ergeben wird? Nope. 

Du willst wissen, wie du die Umsetzung dieses Scripts so anbieten kannst, daß Kunde & Agentur den Auftrag am Ende dir rüberschieben, und nicht deinen zahlreichen Mitbewerbern. Dafür musst du das Script in eine einzige Zahl, deinen PREIS verwandeln. Laß dich dabei von dem ganzen Branchenklimbim (20 Seiten Agenturbriefing, 26 Seiten SCOPE Anschreiben, 14 Seiten GWA Kalkulation etc.) nicht einschüchtern, dein Angebot kannst du in einem Satz formulieren, und dieser Satz geht immer so: „Wir bieten Euch die Umsetzung Eures Scripts nach der Interpretation unserer Regisseurin an zum Preis X“. Alles andere ist Kleingedrucktes. Klingt doch ganz einfach eigentlich – aber das so belastbar zu gestalten, daß das Geld dann auch für alles reicht, und zugleich so günstig, daß dein Preis dich nicht gleich aus dem Rennen wirft: Therein lies the rub! Also, was tun?

Du machst einen Breakdown. In Google Sheets, wenn du ihn mit Dritten teilen oder gemeinsam erarbeiten möchtest. Oder in TextEdit. Oder in Excel. Eigentlich ganz egal: So richtig old school mit Locations, Darstellern, ob das Auto fährt oder nicht, Tag / Nacht, Exterior / Interior, art department, VFX etc pp. Filmhandwerk halt (Well, DAS können wir hier nicht in einem Post abhandeln, leider.).

Wenn das Script es hergibt und du es dir zutraust, dann vergiss den Breakdown und schätze es Pi Mal Daumen: du hast als Budget 200k gebrieft bekommen, der Film ist 15 Sekunden inklusive Packshot & Logoending lang, und eine Darstellerin beißt an einer Location in ein Weingummi? Dann kannst du auch getrost auf deinen Instinkt vertrauen der sagt: das ist ein Drehtag! Denn darum geht es: wie viele Drehtag brauche ich dafür? Von dieser Antwort aus geht alles weiter. 

Irgendwo in der Mitte zwischen Schätzen und 5-seitigem Detailbreakdown liegt die gute alte Stift & Papier Methode: wenn das Script einen 30sekünder ergeben soll, vier Vignetten mit je einer Darstellerin an vier unterschiedlichen Orten und dazu noch ein paar Fahrszenen, ja dann kannst du das auch auf einen Zettel skribbeln. Wie?

Ich würde mich immer anhand der notwendigen Settings da durchwurschteln um das Skript zu etwas Kalkulierbarem einzudampfen: 

„Ein Surfer am Strand. Er hat mit Sicherheit einen Vollbart. Mit Entschlossenheit blickt er auf die Wellen, das Board in seinen durchtrainierten Armen.“ ist eingedampft: EXT/TAG/STRAND 

Eine Designerin, die tief in der Nacht in ihrem Office an Plänen arbeitet = INT/NACHT/OFFICE

Ein geheimnisvoller Fremder, der mitten auf einer endlosen Landstraße in die Kamera spricht, bevor er in ein Auto steigt und Richtung Horizont fährt = EXT/TAG/LANDSTRASSE

Eine Fotografin beobachtet und fotografiert Wildpferde auf einer Düne =  EXT/TAG/DÜNE

Ihr versteht meinen Punkt… EINDAMPFEN!

Und aus diesen Destillaten lassen sich dann Drehtage puzzeln: der Strand & die Düne & die Landstrasse könnten in einen Tag passen; der INT/OFFICE scene passt sicher besser zu anderen Szenen die auch INT und in der Stadt sind. Wie viele Stunden Drehzeit setze ich an pro setting/location? Wie viel Zeit für einen location move? Ein grober Plan lässt sich so innerhalb einer Stunde aufstellen, mit dem man dann entweder selbst beginnt, zu kalkulieren, oder eine Serviceproduktion im Ausland brieft. Achtung: Ein 90sekündiger Autofilm mit 8 Vignetten, 10 Fahrszenen und diversen weiteren zu drehenden Assets braucht vielleicht doch einen halben Tag für einen belastbaren Breakdown.